LA  ABSTRACCIÓN

 

Lo abstracto como algo no definible no “nombrable”, algo desconocido, lo concreto es lo opuesto los tangible o definible.

¿Qué es lo que realmente separa lo abstracto de lo concreto?, lo secuenciado por la vida, por la experiencia, se va haciendo inteligible a medida que avanza el aprendizaje de la persona, el arte intenta reproducir, recordar, dar vida, en toda su historia a esas referencias del mundo y la sociedad.

Cuando luego llegó una corriente destructora de los mejores logros, una corriente dentro de las vanguardias, que  convierte en abstracta la expresión opuesta a otros movimientos artísticos, entonces aparece el arte abstracto, los estilos que se le van acercando los  precedentes y  las corrientes posteriores que bebieron de su influencia crean una zona de confusión o distorsión en la imagen gráfica, y en el centro se encuentra la abstracción, o sea toda expresión que no es algo determinado.

Cuando en realidad para dibujar o pintar hay que abstraer de la realidad elementos, y con esas partes componer lo que otros dirán que parece real o que es pintura realista. Sin embargo el límite de qué es algo  y lo que no lo es, es una entidad  también abstracta. Está en la forma reconocible, cuando decimos eso es un bodegón es porque lo representa o lo parece pero cuando vemos unos cuadrados de color no podemos decir que es un bodegón, aunque Mondarían se inspirara en una naturaleza muerta, pongamos por caso, para hacer ciertas composiciones.

 

LOS NOMBRES DE LO ABSTRACTO

Lo abstracto no sería expresable o definible, lo contrario, lo no abstracto tiene nombre; pero para hablar de las partes de la abstracción, en arte hay que hablar con palabras reconocibles, esas palabras son básicas y corresponden a las  expresiones más esenciales de las definiciones de los objetos, y esas palabras son definitorias de formas, colores, y otros conceptos plásticos, con lo cual la abstracción forma parte del arte por estar concebida bajo sus técnicas y métodos. Por ejemplo esa forma alargada parece una cinta, o esa mancha difusa parece una nube, o aquella otra mancha parece la silueta de una cabeza, etc. En definitiva al identificar lo abstracto con un parecido, podemos hablar por analogía de los elementos que lo componen.

 

LA TRANSMISIÓN DE LOS ESTILOS

Los ejemplos que nos muestra la historia del arte de cómo se trasmiten las formas en los diversos estilos son sucesivos, por ejemplo la estética egipcia que ha llegado hasta el arte romano, o el bizantino, o el copto, o el cristiano, el manierismo, el rococó, y el racionalismo del XIX y el XX, esta trasmisión se realiza porque sus imágenes han sido aisladas por artistas, una y otra vez hasta llegar al siglo XX y en los diseños para la moda, por poner otro ejemplo.

 

LA ARQUITECTURA COMO  AMBITO DE CULTIVO DE LA ABSTRACCION COMO COMBINACION DE ELEMENTOS

En la arquitectura antigua, se va produciendo creación y abstracción, por la combinación de elementos, al arco entre dos columnas se le añade el dintel superior quedando espacio en la enjuta  para ser decorado. La decoración a base de acantos con rosetas, palmetas, guirnaldas se ordenan de una determinada forma para llenar ese espacio. Al final se va produciendo la abstracción geométrica en esa arquitectura floreciente, los frontones griegos se hacen más populares en entradas y puertas. La simpleza geométrica de una pirámide, entraña una gran complejidad organizativa para la culturas egipcias, del mismo modo que el racionalismo, la verticalidad lucha contra la gravedad, y la altura en los rascacielos han supuesto un reto conceptual y económico en las sociedades avanzadas. El espacio para abstraer que ha dejado la arquitectura ahora es mínimo, se limita a las paredes de un apartamento moderno, los cuadros y láminas siguen siendo ventanas para la recreación de otras imágenes.

 

LA DIVINIDAD

La abstracción para comprender la divinidad  como uno de los interrogantes fundamentales del ser humano es quizá una buena ayuda para abstraer. Ejemplos históricos, con respecto a la pintura lo demuestran, en culturas como la islámica, coexistieron dos formas, la religiosa, basada en la abstracción (ya que la imagen de Allah no se puede representar como algo vivo), y la profana, que utiliza la figuración abiertamente, ésta constituye un arte más refinado, cortesano, impulsado por los califas. La iconografía cristiana sin embargo está llena de referentes personalizados de los pasajes bíblicos, y muy ligada a la religiosidad, a la espiritualidad y a la contemplación.

 

LA MINIATURA Y LA MONUMENTALIDAD

En el ejemplo anterior de  la pintura islámica una de las modalidades más representativa era la de las miniaturas, en la que se demostraba la pequeñez del hombre en ese cosmos y al mismo tiempo la habilidad artística para recrear con perfección lo pequeño y hacer alarde de la resolución de problemas técnicos. Así mismo, la pintura monumental es un complemento de la arquitectura, la dificultad de pintar elementos grandes en espacios grandes supone un grado de abstracción compositiva de grado superior, de esa manera la pintura se va imbuyendo de la abstracción intelectual que emana de los espacios arquitectónicos.

 

LA HOMOGENEIDAD EN EL CROMATISMO

La dificultad en conseguir una homogeneización en las mezclas de colores, la dificultad en conseguir una distribución homogénea en las superficies, fueron siempre retos técnicos para los artistas. Los fondos de color de los paisajes de las tablas de los italianos en el renacimiento  se van sustituyen por panes de oro, como una técnica especial y con un significado iconográfico. En realidad esta sustitución, considerada plásticamente, es una abstracción cromática.

 

LA RECUPERACION DE CONCEPTOS DESECHADOS

El simple hecho de  considerar la inspiración como un encuentro espontáneo con una idea, o la creatividad aplicada a la combinación de referentes del pasado, nos dan las claves para entender la abstracción. Un ejemplo, en la época cercana a la Revolución aparecen en Francia una serie de arquitectos, como Claude-Nicolas Ledoux y Etienne-Louis Boullée, conocidos como los visionarios, cuyos numerosos proyectos que no se ejecutaron nunca sirvieron de germen para las ideas de la  arquitectura contemporánea. Su arquitectura es defensora de la abstracción más estricta, basándose en la combinación de elementos geométricos puros.

 

LA SIMPLIFICACION DE LAS PARTES DE LA IMAGEN

 Con los impresionistas se consiguió en las luces y las sombras un grado importante de abstracción, también sacrificaron ese grado de acabado que siempre necesitó el arte históricamente, en favor de la inmediatez. La pintura abandona claroscuro, la pincelada es  vigorosa , se experimenta con el color plano en las sombras, se introducen líneas para definir el perfil de los objetos. Se incorpora la trasparencia que aporta luminosidad a los colores, y otra serie de efectos gráficos que a su vez se irán diferenciando de la  emergente fotografía como técnica revolucionaria.

 

LOS EFECTOS ATMOSFÉRICOS COMO  ENVOLVENTES

En los paisajistas ingleses como Contable, se daba la búsqueda de  los efectos luminosos, Turner buscando el efecto de la lluvia sobre los planos del paisaje, el vapor sobre los sólidos,  o la búsqueda de la sensación de velocidad, consiguen crear formas y colores que casi rozan la abstracción, podríamos decir que si no estuviese en ese contexto serían verdaderos efectos abstractos.

 

FUTURISMO

Este ya fue un movimiento precedente de la abstracción, la Idea fundamental del futurismo  es sintetizar el tiempo, el lugar, la forma el color, el objeto el ambiente, mediante planos centrífugos y centrípetos. Los artistas de este movimiento publicaron mucho sobre pintura, escultura, música, fotografía, arquitectura, y moda. El movimiento internacional fue concebido por Marinetti, promotor de esa capacidad de aglutinar en un espacio todos los conceptos más distantes. Después de la guerra el movimiento fue invadido por multitud de nuevas manifestaciones, el dadaismo, el  constructivismo y una de ellas fue la abstracción.

 

EL DIBUJO Y LA MANCHA ABSTRACTA

Kandiski llegó a investigan las obras totalmente abstractas por primera vez, en esa historia de las vanguardias, con su primera acuarela abstracta de 1910.

Cuando se fundo the Blaue Reiter, el Jinete azul,  Franz Mark que se interesó por las formas de animales caballos y ciervos, empleaba colores irreales para ensalzar la idealización de la naturaleza, acabó así con la forma real en un diseño abstracto de 1914.

 

OPOSICION DE ESTILOS - INVESTIGAR NUEVAS VIAS

Las nuevas corrientes eran oposición a las anteriores, pensaban ir contra el impresionismo, querían captar la esencia espiritual de la realidad. Aislar el arte de la sociedad e independizar al artista de la vida social. Surge el expresionismo lírico, kandiskym, Marc, klee con su dibujo de líneas nos muestra las posibilidades de abstracción que ofrece el trazo, pero al mismo tiempo este artista muestra sus raíces simbólicas en cuadros como la escuela de 1920. Todos ellos abrieron camino hacia la abstracción entre otros Kokoschaka, en su propio autorretrato vemos la dispersión de la mancha y el desvanecimiento de la forma, en un prototipo expresionista, y Schiele con sus insinuaciones curvilíneas procedentes del art nouveau, apreciables en su obra el abrazo de 1917. Mark Rothko, pasó del realismo social a la abstracción, con sus grandes superficies de color planas, separadas horizontalmente y difusas en los bordes.

 

IDEOLOGIA PARA EL CAMBIO

El simbolismo es una tendencia ideológica de alcance internacional que sirvió de catalizador para la transformación del arte figurativo en arte abstracto, en base a la imaginación, junto con el expresionismo se ayudó a ese cambio.

 

NEOPLASTICISMO  Y DIVERSIDAD

Lissitzky (1890-1941), que fue pintor y tipógrafo y diseñador y arquitecto, uno de los principales representantes del arte abstracto y pionero en su país del constructivismo, estudió ingeniería en Darmstadt y más tarde arquitectura en Moscú, durante la I Guerra Mundial. En 1919 fue nombrado catedrático de Arquitectura y Diseño gráfico en la escuela de arte de Vitebsk, dirigida por Marc Chagall, es un ejemplo claro de lo polifacéticas que pueden se las investigaciones artísticas.

 

Otra corriente neoplasticista fue la derivada del deseo de liberar al arte de la imitación de la realidad. Mondrian perteneció al grupo de Stijl, la simplificación en construcción geométrica, proporciones muy elementales, líneas horizontales y verticales bien definidas, colores primarios, su composición en color A de 1913 es un ejemplo de sus nuevas ideas. A este movimiento se le llamó neoplasticismo que influyó en la arquitectura moderna y en el diseño industrial.

Las teorías de Mondrian, que tienen su origen en las obras cubistas de Georges Braque y Picasso y en la teosofía, reivindican un proceso de abstracción progresiva en virtud del cual las formas se irían reduciendo a líneas rectas horizontales y verticales, y los colores al negro, el blanco, el gris y los tres primarios. En su obra composición de 1913, apreciamos el contenido de esta teoría y además aporta la difuminación de los bordes de esa retícula de líneas hacia el marco del cuadro.

Entre sus principales representantes se encontraba Van Doesburg, su cuadro Desing de 1916 se parece mucho al citado anteriormente de Mondrían, pero aporta un trazo en la retícula  mucho más grueso y enmarca toda la red con ese trazo sin difuminar los bordes del cuadro.

 

CONSTRUCTIVISMO Y MATERIALISMO URBANO

El constructivismo, es otro movimiento artístico relacionado con la abstracción, nació en la Rusia de principios del siglo XX ,  ejerció una importante influencia en el arte europeo y fue fundado por el escultor y pintor ruso Vladímir Tatlin. El nombre hace referencia a la construcción de esculturas abstractas partiendo de una gran variedad de materiales industriales, como metal, alambre y trozos de plástico.

Las primeras obras representativas de este movimiento son las construcciones en relieve de Tatlin fechadas entre 1913 y 1917. En 1920 ya se le habían sumado los artistas Alexándr Rodchenko, El Lissitzky, Naum Gabo y Antón Pevsner, entre otros. En 1920 Gabo y Pevsner publicaron en Moscú el Manifiesto realista, donde se exponen los principios teóricos del nuevo estilo.

Aunque el movimiento se dividió en diferentes facciones en la década de 1920, en general el constructivismo defendió los ideales del utilitarismo, el funcionalismo y la abstracción. El utilitarismo, actitud frente al arte que dominaba en la recién constituida Unión Soviética (URSS), sostenía que el arte debía ser fácil de comprender y tener una utilidad social. Tatlin fusionó su dogma constructivista con el del nuevo Estado comunista, convirtiéndose en un diseñador poderoso e influyente dentro del nuevo orden estético.

El constructivismo ejerció una gran influencia sobre la escultura, arquitectura y, especialmente, el diseño industrial del siglo XX y su defensa de los materiales modernos y de las líneas puras sirvió para reforzar la naciente estética del funcionalismo.

 

CUBISMO O MULTIVISION

El Cubismo, movimiento artístico que se manifestó sobre todo en pintura, cuyo objetivo principal era el de alejarse de la representación naturalista y conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos. Desarrollado principalmente por Georges Braque y Pablo Picasso hacia 1907, alcanzó su apogeo alrededor de 1914 y continuó evolucionando durante la década de 1920. Al rechazar la representación realista seguida desde el renacimiento, el cubismo significó un cambio crucial en la historia del arte, convirtiéndose en el precursor de la abstracción y de la subjetividad artística. Fue una revolución contra el sentimentalismo y el realismo de la pintura tradicional, contra la importancia que se daba al efecto de la luz y el color y contra la ausencia de formas, características del impresionismo. Los cubistas rechazan la perspectiva y el movimiento y le dan primacía a la línea y la forma. Se inspiró fundamentalmente en el arte de las tribus de Africa y Oceanía.

 

EXPRESIONSIMO ABSTRACTO O LA ESPONTANEIDAD DE LAS TECNICAS Y EL ARTISTA

Expresionismo abstracto, movimiento pictórico de mediados del siglo XX cuya principal característica consiste en la afirmación espontánea del individuo a través de la acción de pintar. Existe una gran variedad de estilos dentro de este movimiento que se caracteriza más por los conceptos que subyacen en él que por la homogeneidad de estilos. Como su propio nombre indica, el expresionismo abstracto es un arte no figurativo y, por lo general, no se ajusta a los límites de la representación convencional.

Las raíces del expresionismo abstracto se hallan en la obra no figurativa del pintor ruso Wassily Kandinsky, hacia composiciones en tinta china que bien podrían ser los esquemas compositivos de cualquier pintura, en su obra sketch de 1912 se insinúan algunos gestos o cabezas pero se puede hablar de esa confusión de las cosas que no podemos definir.

Roberte Delanunay, en su obra Window aporta la geometría en tonos suaves degradados en veladuras, su nota difernecial sería el juego de la diagonal.

 

SUBREALISMO O ESPONTANEIDAD DEL SUBCOSNCIENTE

Los surrealistas, que de forma deliberada utilizaban el subconsciente y la espontaneidad en su actividad creativa. La llegada a la ciudad de Nueva York durante la II Guerra Mundial (1939-1945) de pintores europeos de vanguardia como Max Ernst, Marcel Duchamp, Marc Chagall e Yves Tanguy difundió el espíritu del expresionismo abstracto entre los pintores estadounidenses de las décadas de 1940 y 1950, que también recibieron la influencia de la abstracción subjetiva de Arshile Gorky, pintor que nació en Armenia y emigró a Estados Unidos en 1920, y de Hans Hofmann, pintor y profesor alemán nacionalizado estadounidense, que hacía hincapié en la interacción dinámica de planos de color.

Las concepciones propias del animismo, que reconocen  una vitalidad en todos los seres, o en todos los cuerpos aun, inertes, algunos autores intentaron explicar la naturaleza de las imágenes que se distinguen en los sueños y otros trances espiritualista, estos conocimientos fueron empleándose por los artistas en la creación de vanguardia y su tendencia era la abstracción.

 

GRABADO Y ABSTRACCIÓNEL  EL DOMINIO DEL GESTO

 A partir de 1950, el grabado se ha convertido en la principal forma de expresión para los artistas de vanguardia. Entre los artistas contemporáneos que han destacado también como grabadores se encuentran los expresionistas abstractos Robert Motherwell, Robert Rauschenberg y Jasper Johns.

 

TEATRO MUSICA   LA FRONTERA DE LA PLASTICA ABSTRACTA

 El pintor Wilmos Huszár,  cofundador de Stijl incorpora el movimiento al teatro.

La danza moderna se ha embarcado en un interesante conflicto interno al subrayar el peso del cuerpo humano, que el ballet clásico pretendía negar, y al mismo tiempo seguir la tendencia general de paso de la pantomima realista a la abstracción, lo único realista son  los cuerpos, los movimientos modernos se identifican con lo abstracto. La música abstracta existe como estilo musical el jazz por ejemplo, o ya de por sí la música es abstracción; el ritmo evoca a lo  concreto o es abstracto,

 

ESCULTURA Y EL ESPACIO ABSTRACTO

El escultor Georges Vantongerloo, realizador de esta tendencia también, incorpora la línea curva como elemento diferenciado frente a sus compañeros absortos en las líneas ortogonales.

El abstracto también se convierte en norma de influencia ejemplo es la escultora inglesa de talla internacional es Barbara Hepworth que, aunque trabajó por lo general dentro de un estilo orgánico próximo a la abstracción.

En la década de 1930 Joseph Cornell, muy influenciado por el surrealismo, realizó esculturas tridimensionales de cajas pintadas y assemblage de objetos heterogéneos, con los que lograba una atmósfera de misterio.

 

También de esa época las esculturas de Louise Nevelson, grandes construcciones abstractas y monocromáticas, diseñadas como instalaciones. Están compuestas de objetos utilitarios, por lo general trozos de muebles contenidos dentro de marcos de madera como si fuesen cajas.

De la escultura orgánica a la abstracción y de lo figurativo a la abstracción. – Heriry Moore. - Hans Arp. -Bárbara Hepwoth. - Alexander Calder.

 

ARQUITECTURA Y ABSTRACCION

Los arquitectos Jacobus Johannes Pieter Oud y Gerrit Thomas Rietvel, entre otros, adoptaron las tendencias próximas a la abstracción. Hoy tenemos el mejor ejemplo de edificio abstracto en  el Gugguemheim. Opuesto al excesivo racionalismo de la arquitectura moderna.

El excesivo rigor de las propuestas de Mondrian provocó violentas críticas tanto dentro como fuera de su círculo de adeptos. El neoplasticismo está considerado, junto con el suprematismo de Malevich, el origen de la abstracción geométrica, su obra suprematist de 1916 es la combinación de las masas rectangulares que adoptan la coherencia en la horizontal, con un eje curvo que atraviesa el cuadro de arriba a bajo. De cualquier forma la arquitectura riñe mas con el arte abstracto puesto que al ser considerada como el espacio al servicio de la sociedad, en esa convivencia de formas con el hombre todos los elementos de la arquitectura son concretos, definibles y de utilidad, con nombre, el único elemento abstracto es el espacio infinito junto el con punto, el plano y las líneas. Las nuevas paredes de leds  coloreables  pueden ayudar a definir formas habitables mas abstractas.

 

CINE Y ABSTRACCION

En el campo experimental, grandes plásticos como Fernand Léger o Marcel Duchamp utilizaron el cine para sus creaciones.

Desde siempre, el cine ha tendido a la abstracción por razones parecidas a las de otras artes plásticas en su origen, en este caso fue la búsqueda de la imagen en movimiento junto al sentido de narratividad. Sin embargo, el cine espectáculo, para las masas, el cine comercial, ha huido de la abstracción. El cine abstracto, propiamente dicho, va unido a las ideas de cine puro y de cine música, en los que se pretendía eludir la relación con la literatura. Si Hans Richter había trabajado en ello ya en 1919, con Preludio y Fuga, películas abstractas de ritmos de líneas; en cualquier caso el cine como montaje audiovisual supone una abstracción creadora, por el espacio que pretende mostrar el realizador, el cual debe ser abstraido por el espectador y también por la educación audiovisual y el acostumbramiento al lenguaje cinematográfico expresado  durante muchas décadas de proyección ante millones de personas.

Cuando la Asociación americana de escultores pintores organiza la gran muestra internacional de arte moderno 1913, la mujer bajando la escalera de Duchamp, supuso un gran ejercicio para el público ver una mujer entre un conjunto de manchas y rayas verticales eminentemente cubistas y cientistas, en ese óleo estamos viendo el movimiento como abstracción, igual que en el cine.

Con la depresión del 29 el arte abstracto se consideró algo extranjerizante. Lo abstracto siempre fue símbolo de modernidad en Estados Unidos pese a todo la abstracción triunfa, Stuar David, en su obra Salt-Celar de 1931 apreciamos ese acercamiento al grafismo en el que la ciudad de Nueva York asume el papel de París después de la guerra.

 

IMAGEN DE SINTESIS Y ABSTRACCION

El fundamento verdadero o imaginario de las imágenes sintéticas crea lo que se viene llamando el entorno virtual, gracias a los equipos informáticos, que facilitan la comunicación pero que también imponen unas normas y un aprendizaje especial, digamos que de momento el entorno virtual sucede al otro lado de una pantalla interactuando con el usuario espectador y las posibles experiencias de inmersión virtual son otra cosa, y serán si llegasen a popularizarse una nueva forma de abstracción, digamos una “inmersión abstracción”, aunque de hecho los esfuerzos por conseguir entornos virtuales realistas contradice plásticamente el objeto de la abstracción. La infografía se basa en unos conocimientos excesivamente artificiales, propios de las culturas y civilizaciones que la han puesto en marcha, aunque nos pueda parecer que la infografía pretende sustituir la realidad, sus imágenes son otra realidad,  parte de la totalidad.

 

NATURALEZA, ABSTRACCION Y CIENCIA

La simetría hexagonal, por ejemplo,  en los cristales de nieve. Los esqueletos de los protozoos radiolarios, las simetrías de las flores etc. Son ejemplos naturales de organización geométrica. El hombre ha abstraído de la naturaleza en muchas ocasiones con la ayuda de las matemáticas, de la geometría natural ha llegado a la abstracción geométrica; pero sin duda la naturaleza nos ofrece el referente más abstracto posible en sus texturas superficiales o internas, al mismo tiempo sus elementos tanto geográficos como biológicos son los más nombrados, un ejemplo, hasta la hoja más rara o abstracta si cabe del árbol más raro está en el catálogo del biólogo.

Las formas microscópicas o las imágenes del átomo, moléculas o incluso los impactos de las partículas subatómicas fotografiadas, nos hacen descubrir nuevas realidades. Esas formas tan fantásticas que nos muestran las imágenes de satélite de la Tierra , o las imágenes del telescopio espacial en las que realmente no hay palabras para definir las formas, salvo las estrategias científicas para numerar lo innumerable, estas imágenes son un salto espectacular como cuando el hombre empezó a tener la visión despegada del suelo, a finales del XIX con las primeras ascensiones en globo.

 

IMAGINACION EN LA CIENCIA

Cuando los teóricos de la física o la biología empiezan a proponer teorías originales, como que la tierra es curva, o que el tiempo y el espacio son relativos, o como que existe un código genético que determina nuestras formas y funciones orgánicas, se puede decir que el esfuerzo imaginativo es tremendo así como la capacidad de abstraer para acertar conclusiones que hagan avanzar la ciencia. La ciencia se vuelve más imaginativa e intrépida, otro ejemplo son esos  viajes sin retorno,   querer enviar hombres al espacio para crecer y  desarrollarse en el mismo viaje espacial, no podrán volver a la tierra, porque su vida se desarrollara siempre en esa hazaña, así como sus descendientes. Al mismo tiempo otros ejemplos como las posibilidades de alargar la vida con la regeneración de células, quizá no parece lógico escandalizarse de lo que tan desgarradoramente quiera mostrar el artista del siglo XXI. Con los gritos de rabia e impotencia ante la desigualdad y el sufrimiento humano que conviven con esos alardes del conocimiento humano (esta reflexión queda pendiente: entre la abstracción y la incomprensión del arte actual).

 

LA ABSTRACCION ARTISTICA

En todas las épocas de la historia del arte la capacidad de abstraer para el artista ha sido evidente y necesaria para la creación que realiza, si el objetivo es imitar  lo figurativo, el esfuerzo de abstraer es importante de por si en el propio dibujo, pues la propia reflexión sobre como plasmar plásticamente un objeto para que sea contemplada, de modo inteligible, por otros es intensa en la mente del artista; precisamente en la abstracción como movimiento artístico, dentro de las vanguardias, se busca la no realidad u otras realidades no figurativas. Si en esa búsqueda hacemos alarde de la divagación, el automatismo, la espontaneidad, la casualidad, resultaría más fácil plásticamente crear lo abstracto que la imitación de lo real.

El filósofo Wilhelm worringuer publicó su tesis titulada, “abstracción y empatía” en 1908, dos años antes de la acuarela abstracta de kamdisky. Realmente los esfuerzos por comprender la realidad que nos rodea están ligados a la capacidad de contemplar que tiene el ser humano, por eso cuando se critica el arte de la postmodernidad y se le compara con Canaleto o con Rembrand para infravalorarlo, volvemos a lo de siempre no se pueden comparar, son tiempos distintos y  calidades distintas, como no se puede comparar la factura millonaria de la sonrisa de Harrison Ford para una película taquillera, con la sonrisa del negrito africano que vende artesanía porque tiene que comer. No se puede compara por que de momento no hay forma de igualar los términos de la comparación.

 

EXPERIENCIA EN CLASE

Estas experiencias realizadas con acuarela liquida sobre cartulina o papel de acuarela son, en primer lugar, una puesta en escena de la facilidad de acción del profesor ante el alumno. En algunas ocasiones se empapa la cartulina con una esponja en parte, o toda para conseguir efectos  diversos; otras veces se aplican chorros de acuarela líquida directamente sobre la cartulina y luego se esparce agua con esponjas para producir los efectos de dispersión algo mágicos y abstractos que se producen. Estas acciones las hace el profesor delante del alumno, para que entre otras cosas el alumno pueda familiarizarse con la rapidez y espontaneidad de la decisión de abordar la mancha abstracta, además durante unos segundos cada alumno siente con el profesor ese movimiento de formas expansivas sobre la aguada y se asombra. Ante el garabato sin sentido o la mancha de color no representacional, el alumno se asombra, si ve destreza en el profesor, pero al ser algo abstracto lo suele apreciar como algo negativo, algo no inteligible, piensa que eso que hace el “profe” es un mamarracho. Cuando esta experiencia se repite una y otra vez, al final hay un alumno que insiste en que quiere hacerlo el personalmente, “profesor déjeme hacerlo a mi”, quiere hacer esos garabatos, pero cuando ofreces la esponja o el pincel, cuando empieza su acción, ya duda y no confían en la rapidez de la ejecución, cuando por fin se decide, ni mucho menos su decisión está buscando la abstracción, se ve abocado a dotar de forma  lo que quiere trazar, no se atreve a realizar movimientos abstractos sin sentido; por otro lado aprecia con mucha curiosidad los efectos que se van produciendo en la aguada al extenderse la acuarela, o la tinta china.

Una vez todos los alumnos del grupo tienen su hoja empapadas de color por el profesor; y cuando han secado esas formas y colores, quedan fijadas, durante ese secado, incluso, han garabateado para modificar la acción de la aguada, o ya van observando ciertos parecidos imaginativo. Se le pide que dibuje los contornos de algunas de las manchas o de las formas que se puedan apreciar,  asignándoles un sentido gráfico.

Pueden empezar tanteando con el lápiz, luego, pueden reforzar esas líneas con un rotulador negro, o con un grafo fino y aplicar texturas. Se producen los comentarios: esto parece la cabeza de... , esto podría ser..., yo no veo nada aquí,  profesor me puede hacer otro que sea más sencillo.

Entonces es el momento de decirles que las líneas que hagan no necesariamente pasen por el contorno de  los colores, una cabeza de un supuesto perro puede tener un trozo pintado en parte por encima de las manchas de color, no necesariamente esa mancha tiene que tener forma de cabeza de perro; a otros alumnos habrá que decirles que simplemente sigan el contorno exacto de la mancha con el rotulador negro, de la misma manera sería válido en el ejercicio dibujar el contorno de algo dentro de la mancha de color, por ejemplo unas olas dentro de una mancha grande de verdes y azules.

También cuando se nos comenta,  aquí no veo nada, entonces les sugerimos mirar el trabajo con otra luz, la luz de tu habitación, míralo en casa después de comer, colócalo en el techo a ver si descubres algo, deja que pase un fin de semana entero sin mirar el abstracto, y luego vuelve a mirarlo, contempla algo que no sabes aun lo que es, medita sobre algo desconocido, no te precipites queriendo sacar una conclusión ahora mismo.

Realmente es un ejercicio con resultados aleatorios, de experimentación, del profesor y del alumno, quedamos a la espera expectantes por el resultado. Los trazo pueden ser con rotulador fino o medianamente grueso, se pueden hacer algunas tramas de rayas para sombreas algunas zonas.

Vamos a marcar, a sacar de algo abstracto algo concreto o fantástico  puede ser irreal pero sin embargo es concreto o reconocible, pueden parecer seres fantásticos o inventados. Hay láminas en las que una cara grande aparece, una cara significativa como un personaje. Otros son pequeños seres que se sitúan en distintas posiciones en la hoja. A veces parecen seguir acciones, y otras son de tamaños variados aprovechando la forma de las manchas.

Después de analizar los resultados, se vio la conveniencia de experimentar la mancha abstracta pero con tinta negra, de modo que se obtienen gamas de grises en las aguadas, de la misma manera el alumno debía visualizar elementos y dibujarlos, con rotulador negro, o bien limpiando zonas con líquido corrector blanco. Empezamos a ver los primeros resultados cuando ocurrió precisamente la desgracia del Prestige, petrolero partido y hundido cerca de las costas Gallegas. Pronto empezó a aparecer la palabra chapapote en la prensa. La forma abstracta del fuel invadía con su inocente y cruel caricia, una de las costas más bellas del mundo, las costas gallegas. Una impresionante lección de solidaridad respondió frente a la desgracia.

La naturaleza como artista y la inoperancia tecnológica del hombre como técnica hicieron un ejercicio gráfico sobre las playas y acantilados gallegos y de otras partes de España y Francia, la tinta china, en esta caso, recibe un nombre muy simpático “el chapapote”. Y el soporte es el mar como la aguada, y las costas como el papel de acuarela. Queda pendiente esta película: “Chapapote ataca de nuevo”.

Por aligerar el final de este apartado de la abstracción, sin pasar de las cien hojas, dejamos sin comentario las relaciones con: AUTOMATISMO, ABSTRACCION CREACION, ABSTRACCION GEOMETRICA RACIONAL. RAYONISMO. SUPREMATISMO.